Имена художников Сергея Черкасова, Владимира Погребняка, Сергея Горбачёва и многих других мастеров давно стали визитной карточкой Приморья. Но сегодня на сцену выходит новое поколение, готовое ярко и смело заявить о себе. В преддверии открытия молодёжной выставки «Где начинается море» (12+) корреспонденты PRIMPRESS побеседовали с её куратором – директором фонда культурных инициатив «ЭНСО», членом ВТОО «Союз художников России» и Ассоциации искусствоведов Юлией Климко. Мы узнали, кто из молодых авторов уже зарекомендовал себя, как пробиться в профессиональное сообщество другим талантам, как в этом помогают выставки и почему новая экспозиция помогает зрителю удерживать внутренний курс в бушующем мире.

— Давайте попробуем описать искусство молодого поколения. Какое оно в нашем регионе?

— Когда мы говорим про молодёжное искусство, не стоит забывать, что слово «молодость» является определяющим. Искусство молодёжи в целом более эмоциональное, более яркое. Может быть, там меньше опыта, но больше экспериментов, желания что-то изменить, даже «изобрести велосипед», а главное – эти желания искренние. Молодёжное приморское искусство, в принципе, соответствует всему этому.

Работы бывают очень разными по характеру и ритму. В одних чувствуется сдержанность и внутренняя собранность – это отражение темперамента художника и его внимательного отношения к форме. В других больше иронии и внутреннего протеста. Кто-то работает медленно, тонкой кистью, выстраивая точный рисунок мазков, а кто-то действует импульсивно, используя широкий жест и мастихин, если говорить про живопись.

Ещё стоит учитывать, что в рамки молодёжи входят люди разного возраста – например, и 25 лет, и 35 лет, а у них всё-таки несколько различается восприятие мира. Это влияет на разнообразие и проработанность тем.

— Может быть, есть наблюдения, какие сюжеты чаще появляются? Это обращение к себе или обращение к городу, природе и культуре Приморья? Или же к чему-то острому, социальному?

— Систематизировать, конечно, очень сложно, потому что число молодых авторов только растёт с каждым годом. Стоит учитывать, что во Владивостоке есть Институт искусств, где живопись преподаётся в академической системе. Это формирует среду: многие художники естественным образом опираются на академическую традицию, потому что именно ей их обучают. И хотя этот фундамент важен, выйти за его рамки бывает непросто. Переход к более экспериментальному языку требует внутреннего усилия, поэтому в экспозициях часто появляются классические пейзажи и натюрморты.

В то же время есть художники, которые больше интересуются современным искусством, и они уходят в более актуальные направления. И затрагивают более острые вопросы, связанные с современным обществаом. Как, например, Артур Удовенко. Его интересуют неоднозначные ситуации, которые незаметно стали частью повседневной жизни и вступили в противоречие с представлениями о человеческом достоинстве. Он работает с ними через гиперболу, усиливая и обнажая их крайние проявления.

— А какие ещё есть яркие имена на этой арене?

— Я бы сказала, что это Катя Зох, Миша Чувакин, Дима Лучинин, Женя Макеев (Нован), Лера Вошко и Вика Поезд.

Но важно понимать, что это лишь «начало разговора» и первое сближение. Молодая сцена очень подвижна, и со временем акценты могут сместиться самым неожиданным образом. Я к тому, что делать выводы в начале пути очень сложно. Мы можем говорить о том, что художник талантливый, одарённый, но в любом случае художник выражается не в потенциале, а в результатах.

Конечно, молодому автору важно проявить себя, выйти в поле видимости, чтобы о нём можно было говорить как о части профессионального сообщества и тем более как о художнике, имеющем значение для истории регионального (как минимум) искусства. Настоящий художник – это ведь не только тот, кто создаёт красоту. Это человек, который формирует новые смыслы или по-новому высвечивает уже существующие ценности, противоречия, важные для своего времени темы. Одного владения композицией и умения находить эффектные цветовые сочетания для этого недостаточно.

Именно поэтому работа художника не всегда выглядит «красивой» или комфортной для зрителя. Иногда кажется, что автор создаёт нечто резкое или даже отталкивающее, хотя на самом деле он лишь заостряет внимание на том, что уже существует в обществе. Это может вызывать неприятие или желание спорить, но именно в этот момент начинается рефлексия. Мы вынуждены задавать себе вопросы, делать выводы и принимать решения. В этом воздействии и проявляется высокая миссия художника – быть пророком в пушкинском понимании этого слова.

— И как же попасть в это профессиональное сообщество и заслужить его высокую оценку?

— Такое желание, безусловно, зависит от самого человека и от тех усилий, которые он прикладывает. Необходимо стать заметным для этого сообщества: участвовать в выставках, договариваться о встречах с кураторами, инициировать свои проекты и приходить с этими идеями в различные институции. У нас есть музеи, галереи, есть ЦСИ «Артэтаж», Центр современного искусства «Заря». В этом смысле дорогу осилит идущий.

— Есть ли во Владивостоке какие-то конкретные возможности, варианты поддержки для тех молодых людей, кто встал уже на этот путь и начал идти?

— Мне всегда интересно наблюдать за молодым художником, потому что это всегда новый человек и новые миры. Но вместе с этим возникает и сочувствие: ему действительно бывает непросто. Непросто прокладывать собственный путь в среде, где уже есть профессионалы, сложившиеся имена, и это требует самых разных ресурсов, в том числе финансовых.

Быть художником вообще нелегко. С одной стороны, от него ждут тонкого чувствования времени, умения улавливать важные процессы и говорить о них языком искусства. С другой, он остаётся обычным человеком со вполне земными потребностями: нужно жить, оплачивать обучение, покупать материалы, думать о будущем.

Очень важно, чтобы у художника была возможность видеть мир, путешествовать, знакомиться с наследием других городов и стран, смотреть мировые шедевры вживую. Для молодых авторов, которые после учебного заведения часто ещё скованы академическими рамками, это особенно ценно. Такой опыт помогает им преодолеть внутренние барьеры и начать видеть себя в более современных формах.

Поэтому молодой художник уже на этом этапе может и должен пробовать продавать свои работы. Сегодня для этого существует множество инструментов: от поддержки друзей и социальных сетей до онлайн-площадок, салонов и галерей. Нужно использовать все доступные возможности и не ограничивать себя одним форматом.

И, к счастью, сейчас существуют различные гранты и резиденции, которые помогают с проездами и проживанием. Да, получить такую поддержку непросто, конкуренция высокая, но это не повод отказываться от попыток. Пробовать всё равно необходимо.

— В общем, пытаться, пытаться и стучаться во все двери?

— Да, и чем раньше начинаешь, тем лучше. В молодости проще наращивать опыт, когда меньше обязательств, больше свободы, энергии и времени на поиски. Позже появляются ответственность за семью, дети, забота о родителях, и пространство для эксперимента неизбежно сужается. Поэтому важно использовать этот период, пока есть возможность рисковать, пробовать и двигаться без оглядки.

— Как раз в этом контексте интересны вот такие молодёжные выставки, как предстоящая под Вашим кураторством «Где начинается море», ведь в том числе в них могут принимать участие студенты. По Вашему мнению, почему это важно для начинающих художников?

— Когда мы говорим об участии в выставках, речь идёт не только о том, чтобы заявить о себе. Это прежде всего опыт. Опыт общения с куратором, опыт формулировать и отстаивать собственную позицию, опыт осмыслять свою работу в более широком контексте. Выставка – это диалог, и художник учится быть его участником. Как и в любом деле, здесь работает простое правило: чем чаще ты это делаешь, тем увереннее и точнее становится твой язык, тем яснее ты понимаешь, что именно хочешь сказать.

— А почему в этом заинтересованы старшие коллеги – Союз художников? Такие выставки здесь стали ежегодной традицией. Это фиксация момента или всё-таки поиск новых мастеров, «новой крови»?

— Молодёжные выставки важны для любой культурной институции, и Союз художников здесь не исключение. Этим занимаются разные организации, если внимательно посмотреть на культурную жизнь города в целом. Просто для Союза художников это исторически сложившаяся и традиционная форма работы, напрямую связанная с жизнью профессионального сообщества. Такие выставки одновременно выполняют несколько задач. С одной стороны, они позволяют увидеть, чем живёт молодая сцена сегодня. С другой, это естественный процесс обновления: молодые авторы постепенно приходят на смену старшим поколениям. Внимание к молодёжи говорит о том, что художественное сообщество не замыкается в себе, а остаётся живым, значимым и видимым для города.

— Тогда расскажите, пожалуйста, что Вы предлагаете молодым показать в этот раз? Темы Ваших проектов обычно широкие и философские, с множеством ракурсов для изучения. «Где начинается море» – про что эта выставка?

— Вы знаете, выбор широкой темы для выставки во многом связан с тем, что у нас совершенно разные художники. Я понимаю, что в рамках узкой темы не все авторы смогли бы полноценно реализоваться. А хотелось бы, чтобы зритель увидел всё разнообразие (не «безобразие»!), которое существует в нашем художественном сообществе и которое не всегда попадает в поле зрения широкой аудитории.

«Где начинается море» – это, безусловно, метафора, и, на мой взгляд, очень нам близкая. Для дальневосточников море — это не просто образ. Мы живём рядом с ним, и оно сопровождает нас постоянно: влияет на наше эмоциональное состояние, на ритм жизни, на ощущение себя в мире.

Эта метафора понятна и молодым авторам, потому что она связана и с эмоциональной сферой – с тем самым «морем эмоций», и с конкретными образами и переживаниями. Встречи с друзьями, моменты одиночества, возможность остаться наедине с собой и своими мыслями. Очень часто люди приходят к морю не для того, чтобы купаться, а чтобы просто посидеть и подумать о жизни, о выборе, о ситуациях, которые напрямую с морем могут быть и не связаны, но требуют внутренней тишины.

Поэтому «Где начинается море» – это метафора, которая побуждает нас задумываться о самом важном и самом ценном, что есть в нашей жизни.

— Почему в этом году Вы именно к морю пришли? В прошлом году был, например, «Каскад бифуркаций».

— Кураторский проект – это всегда в том числе личная история. И в этом смысле выбор темы связан с внутренним состоянием и ощущением времени. Сейчас в мире и в жизни каждого из нас происходит так много событий, что возникает чувство постоянного давления: становится сложнее принимать взвешенные решения, сохранять внутреннюю устойчивость, доброту и внимание к близким. Именно поэтому в этом году мне захотелось обратиться к теме, которая даёт более светлое и поддерживающее ощущение. Море для меня – это не только природный образ, но и состояние: оно умеет одновременно успокаивать и восхищать, даже когда бушует шторм. В этом соединении силы и красоты, напряжения и гармонии мне показалось важным найти точку опоры и предложить её зрителю.

— Пусть лучше на картинах море бушует, чем в нашей голове и в мире вокруг.

— Да, думаю, именно так.

— Как Вы отбираете работы, по каким критериям? Как вы понимаете, что да, вот это хорошая работа, которая пойдёт на выставку?

— Безусловно, здесь играет роль опыт работы с художниками. Для меня ключевым остаётся баланс между формой и содержанием – два классических, но по-прежнему принципиальных критерия. Это особенно важно для молодых авторов: им необходимо научиться ясно формулировать замысел, даже если не все профессиональные приёмы ещё полностью освоены. Когда я вижу, что художник уже чувствует этот баланс, мне действительно хочется показать его работу зрителю.

При этом я всегда оцениваю не творчество художника в целом, а конкретные работы, которые он подаёт на выставку. Бывает, что в этих работах пока не хватает ремесленной уверенности или завершённости образа. В таком случае это не повод для обиды или разочарования – скорее сигнал, что нужно ещё поработать и вернуться позже.

Важно понимать, что, несмотря на молодёжный формат, выставку посещают опытные зрители и ценители искусства, которые чувствуют «твёрдую руку» художника. Если работа ещё не выдерживает этого взгляда, эффект может быть обратным: вместо интереса и доверия возникают вопросы – не только к автору, но и к куратору, и к институции. Поэтому здесь речь идёт прежде всего о взаимном уважении – художника к зрителю и к пространству, в котором он показывает свои работы.

— А какие-то эксперименты, что-то необычное, Вы это поощряете?

— Конечно!

— Скорее возьмёте такую работу?

— Да, скорее возьму. Хотя этот вопрос действительно не самый простой. Когда мы говорим о современном искусстве, где много экспериментов и смещения привычных критериев, здесь необходимы опыт и навык различения. Часто зритель смотрит на работу и говорит: «Такое и ребёнок мог бы нарисовать».

— Частый комментарий!

— Да, очень частый. Но он связан с тем, что язык искусства ХХ века, прежде всего в развитии абстракции и беспредметного, до сих пор вызывает сопротивление. За внешней простотой здесь часто стоит осознанный выбор формы и желание художника работать именно с этим языком. Вопрос не в том, «кто мог бы так нарисовать», а в том, зачем и с какой внутренней необходимостью это сделано. Если эта необходимость чувствуется, такая работа имеет право быть показанной.

Авторская манера не должна совпадать с привычными представлениями о красоте. Однако за внешне «неудобной» или непривычной формой может стоять продуманная художественная позиция и целая теоретическая традиция, которую развивает не только сам художник, но и искусствоведы на протяжении десятилетий. В этом смысле для меня важно учитывать и историческую преемственность языка, с которым работает художник.

При этом отбор никогда не происходит в режиме «без контакта». Если у меня возникают вопросы, я обязательно общаюсь с художником. Иногда визуального решения и краткого авторского комментария достаточно, чтобы понять, что работа может быть представлена в рамках проекта. А иногда именно разговор позволяет увидеть замысел глубже и принять окончательное кураторское решение.

— Отбор уже идёт. Были ли среди присланных работ необычные проявления заданной темы, какие-то работы, которые очень удивили?

— Есть молодые художники, которые мне уже хорошо знакомы, и я понимаю те границы, в которых они сегодня работают. Но на этой выставке будут и авторы с интересными новыми работами. Да, иногда они довольно прямо обращаются к образу моря, но в этом есть своя ценность: чувствуется смелость в работе с цветом, появляются неожиданные цветовые решения. Это только начало пути, этап поиска собственного языка, и за этим всегда интересно наблюдать.

Меня, как куратора, удивить, возможно, уже сложнее, чем обычного зрителя. Но я надеюсь, что для тех, кто придёт на выставку, открытий будет значительно больше. Тем более что здесь будут представлены и новые работы художников, которых публика уже знает и любит. В этом смысле выставка станет и пространством открытия, и тёплой, ожидаемой встречей.

— А новые какие-то имена есть?

— Есть даже новые имена для меня, потому что в этой выставке принимают участие художники не только из Владивостока, но и из Приморского края, и члены молодёжной секции Союза художников Дальнего Востока. Надо приходить смотреть!

— Заканчивая, как Вы думаете, в каком направлении дальше «поплывет» наше искусство молодёжное?

— Самое главное, что оно будет. Я не сторонник говорить о трендах или задавать направления, в которых искусство «должно» развиваться. Искусство —– это очень личная сфера, и в ней решающими остаются искренность и внутренняя честность автора.

Быть художником вообще непросто, и, как мне кажется, настоящего результата достигают те, кто честен с собой, кто умеет чувствовать и готов много работать. Такие молодые художники у нас есть. Поэтому я уверена: молодёжное искусство во Владивостоке будет развиваться, искать и меняться.

— Значит, доверие есть?

— Безусловно. Но доверие не отменяет необходимости работать. Талант – это важно, однако невозможно прийти в мастерскую условно раз в году, написать одну работу и ожидать, что её сразу признают шедевральной.

Художник должен работать постоянно. Он должен приходить в мастерскую, брать инструмент, нарабатывать руку и опыт. Это нужно для того, чтобы технические вещи перестали требовать усилий и внимание можно было направить на более сложные и серьёзные темы, с которыми художник работает в своём творчестве.

И ещё раз отмечу: главное быть искренним, честным с самим собой. Тогда и зритель заметит эту искренность.

Выставка «Где начинается море» (12+) будет проходить в Приморском отделении Союза художников России с 29 января по 23 февраля